Franz Schubert, el dolor trascendido

Retrato del compositor, por Leopold Kupelwieser

Después de la apasionante lectura del libro sobre Beethoven de los autores Jean y Brigitte Massin (click aquí para acceder al artículo), conocimos de esta última escritora e historiadora su biografía sobre Franz Schubert. Fue un grato descubrimiento para nosotros la música de este compositor, apenas un desconocido y poco comprendido. Tan solo unas pocas obras suyas fueron estrenadas y publicadas, conociendo la luz pública sobre todo los lieder y las pequeñas piezas para piano. Otras obras de igual importancia continuaron en el anonimato para sus contemporáneos. Como fue en el caso de su obra sinfónica, camerística (cuartetos, tríos, quintetos) , misas, etc 

Lo cierto es que en la  música de Schubert, se puede encontrar una obra llena de profundidad, por momentos muy íntima e introvertida, a veces rozando lo trágico, lo oscuro... Por supuesto que los editores estaban recelosos en publicar el trabajo de Schubert pues alegaban que no sería del todo del gusto de la época y por lo tanto, con poca salida comercial como siempre pasa en las modas y en lo popular, más dado a música de divertimento y evasión. Y es que la  música de Franz era muy profunda. 

Es el mismo compositor quien dice:

"Hasta ahora las cosas van mal con Leidesdorf, no puede pagar, nadie compra nada, ni mis obras ni la de los demás, aparte de las miserables mercancías a la moda"

"Si se pudiera hacer algo honesto con los mercaderes del arte, pero la sabia y bienhechora organización del estado ha velado ya para que el artista sea el eterno esclavo de estos miserables comerciantes", se lamenta en una carta a sus padres.

Dice Brigitte Massin en su obra: 

"Entre el absoluto desconocimiento de sus contemporáneos hacia su música instrumental y la proyección del personaje a un universo considerado como humanamente no válido, hay una evidente relación, y el deseo por una parte, de minimizar a Schubert tanto en su aspecto de creador como en su vida. Si el músico no es más que un compositor de lieder ignorante y libertino, no hay por qué llevar más lejos ni el conocimiento de su vida ni el de su obra, ni hay por qué investigar los motivos del desacuerdo entre el artista y la sociedad de su tiempo. Si Beethoven estaba loco, Schubert era un depravado, y por ello nunca fueron felices: C.Q.F.D. Quédense tranquilos los filisteos que siguen ignorando la individualidad del hombre y el valor de la obra tanto como la realidad que envuelve al artista"

De hecho, así es. En torno a muchos compositores se han creado leyendas, algunas sin base ninguna o basadas en hechos reales muy exagerados. Recordemos en torno a Mozart el tópico de un adulto eternamente infantil (Nada más hay que ver el largometraje Amadeus), o Beethoven, como un loco huraño, misantropo y malhumorado; Schubert, un tímido juerguista, con su música no comprometida  para acompañar veladas de colegas donde el alcohol circulaba a sus anchas. Por supuesto, eran tiempos difíciles, muy difíciles para el artista que se quería consagrar a su obra. En la Viena contemporánea de Schubert, además de las invasiones napoleónicas que el compositor vive en su infancia interno en un colegio, asume el poder Metternich que impone al país un estado policial de vigilancia y censura, donde muchos pensadores y artistas eran detenidos por su ideología liberal. Además de las dificultades económicas y la incomprensión del público y los editores, Schubert contrajo sífilis, una enfermedad venérea muy común en la época. El tabú que imperaba sobre la sífilis, en Schubert fue una herida abierta, que le causó un hondo sufrir. Otros en su época habrán asumido mejor y sin tapujos el peso de la enfermedad ante los demás; pero para Schubert además del daño físico fue un daño a nivel espiritual. Y muchas de sus últimas obras hay que tratar de comprenderlas desde ese dolor e impotencia, pero sobre todo de lucha incesante. 

La dificultad de Schubert para integrarse en el universo que le rodea y su profundo desencanto se traducen en estas palabras a su amigo Kupelweiser:

"En una palabra, me siento como el más desgraciado y el más miserable de los hombres de este mundo. Imagina un hombre cuya salud ya jamás volverá a ser buena (...) Imagina un hombre, digo, cuyas mayores esperanzas han quedado reducidas a nada,  a quien la felicidad del amor y de la amistad sólo le ofrece el mayor dolor..."

An die Musik (A la Música)

"Oh, arte benévolo 

en cuantas horas sombrías,

cuando me atenaza el círculo feroz de la vida,

has inflamado mi corazón con un cálido amor,

¡Me has conducido hacia un mundo mejor!"

Su íntimo amigo Bauernfeld lo describe así: 

"Desde luego Schubert no poseía una formación académica propiamente dicha. Sus estudios apenas sobrepasaron el nivel del instituto y fue durante su corta vida un autodidacta (...) No dejaba tener experiencia en literatura , y el arte y la ciencia con que interpretó de forma poética  y viva individualidades tan diferentes como las de Goethe, Schiller, Mayrhofer, Walter Scott... metamorfoséandolas en nueva carne y nueva sangre.

Esta "palingenesia" del canto sería suficiente para probar , sin necesidad de ir más lejos en el conocimiento de su persona, en qué profundidades del sentimiento y en qué finura y delicadeza del alma tiene su fuente una inspiración tal. Quien comprende a un poeta, él mismo es poeta.

El que es un poeta y se divierte aquí y allá con sus amigos  y semejantes está lejos de ser un salvaje borracho. Este salvaje se entregaba con frecuencia a las más serias lecturas; tenemos extractos  de textos históricos, incluso filosóficos- su diario contiene sus propios pensamientos, casi siempre profundamente originales, así como poemas- Por otra parte, sus amistades predilectas eran artistas y personalidades próximas por su espíritu a los artistas. Sentía por el contrario una verdadera timidez ante las personas vulgares y aburridas, ante los pequeños burgueses. En mediocre compañía se sentía solo , oprimido, se volvía taciturno o mostraba mal humor cuando se acercaban a él como a un hombre próximo a ser una celebridad.

Nada tiene de extraordinario si en alguna ocasión se agarraba una curda y lanzaba violentas diatribas contra su estúpido entorno, de tal suerte que la gente  se alejaba de él atemorizada"

Y según los recuerdos de un compañero del Konvikt, George Franz Eckel:

"Ya siendo niño y adolescente, Schubert vivía una vida interior  y espiritual, que raramente se exteriorizaba por palabras, pero que se expresaba casi exclusivamente por la música. Era lacónico y poco comunicativo, excepto a propósito de los temas que atañían a lo divino, a los que consagraba la totalidad de su breve existencia y en los que era un elegido".

Vogl, cantante y amigo de Franz, habla del estado en que componía:

 " Hay dos maneras de componer: una que, como en Schubert, lo hace en un estado de videncia o de sonambulismo, sin intervención del arbitrio del compositor, solamente siguiendo la fuerza mayor de su inspiración. La otra forma está hecha de libre albedrío, de reflexión, de esfuerzo y de ciencia".

Vogl estaba persuadido de que Schubert, cuando componía, estaba casi siempre en estado de sonambulismo. 

"Vogl admiraba con una especie de fervor religioso, el espíritu armónico de Schubert, su sensibilidad profunda y la fuerza de su música. Veía a Schubert a través del aspecto de un hombre que, desde la primera mirada, parece envuelto en una vaga fuerza invisible y sin fin, que observa todo como a través de un velo, o que difícilmente llega a entregarse a un lenguaje normal.

"Mirad-proclamaba Vogl a media voz con su  habitual seguridad, con una mirada de soslayo hacia Schubert que ajeno a todo estaba absorto y como perdido- :¡este hombre no aparenta nada de lo que existe en lo más profundo de él! ¡Es un oleaje inagotable!" (Steinbüchel)

"Mis producciones  son el fruto de mis conocimientos  musicales y de mi dolor. Aquellas que ha engendrado el dolor son las que gustan al mundo" apunta en su diario en 1824

Estas frases del compositor nos trajo el recuerdo de Joseph Campbel, en concreto de su libro el poder del mito: 

"Cuanto más ardua  o amenazante sea la situación o el contexto a asimilar y afirmar, mayor la estatura de la persona que pueda lograrlo. El demonio que puedas incorporar te da su poder, y cuanto mayor sea el dolor de la vida, mayor será la respuesta de la vida" (Joseph  Campbell, El Poder del Mito)

Volvamos a las palabras del propio Franz Schubert.

"Qué hermoso debe ser para un artista ver a todos sus alumnos reunidos a su alrededor y escuchar esas composiciones de índole tan natural, cantando con toda su fuerza expresiva, desprovista de esa extravagancia que es habitual en nuestros días entre la mayor parte de los compositores. Esta extravagancia que alía y mezcla lo trágico con lo cómico, lo agradable con lo repugnante, lo heroico con lo lacrimógeno, lo sagrado con las bufonadas; esta extravagancia lo sumerge al hombre en la locura en lugar de hacerlo fundirse en el amor, porque no sabe distinguir, que le excita  a la risa en lugar de elevarse hacia Dios..."

"El dolor agudiza la inteligencia y fortalece los sentimientos, mientras que al contrario la alegría raramente mejora aquella y reblandece y vuelve frívolos éstos.

Desde lo más profundo de mi corazón aborrezco este espíritu superficial que hace creer a tantos miserables que sólo es válido lo que ellos hacen, y el resto es nada. Una belleza debe inspirar al hombre durante toda su vida, es cierto; sin embargo, los rayos de ese entusiasmo deben iluminar al resto de los hombres". Apunta en su diario. 

¡Oh imaginación! ¡El más importante tesoro del hombre, fuente inagotable de la que viven tanto el artista como el sabio. ¡No te apartes de nuestro lado aunque no seas apreciada y venerada más que por un escaso número...!"

Obra de Asher Brown Durand

Y aun resuenan en nosotros, las sabias palabras de Campbell: 

"El verdadero artista es el que ha aprendido a reconocer y transmitir lo que Joyce llamó el "resplandor" de todas las cosas, que es algo así como una epifanía o aparición súbita de su verdad" (Joseph  Campbell, El Poder del Mito)

El verdadero artista transmite y es el emisario de ese resplandor, esa luz de la vida, pero también está en contacto muy estrecho con su antagónica e inseparable compañera: la muerte y la fatalidad. 

Al respecto dice Brigitte Massin: 

"Pero Schubert no sería verdaderamente el mismo si no abriese paso su atracción hacia la muerte, que es tan esencial en su comportamiento vital y en su creación:

"Si pudiera admirar tan sólo una vez estas divinas montañas y estos lagos cuyo espectáculo amenaza con aplastarnos o con engullirnos, no tendría tanto apego a la despreciable vida humana; y consideraría una gran fortuna el poder confiar en la fuerza misma de la tierra para alcanzar una vida mejor"

En una carta a su hermano Ferdinand: 

" Creemos que un lugar en el que antaño fuimos felices nos traerá la felicidad, pero ésta se encuentra en nosotros mismos"

Le escribe Schubert a su amigo Schober: 

" He oído decir que no eres feliz, ¿se te pasará durmiendo la borrachera de tu desesperación? Aunque esto me causa  una gran pena no me sorprende demasiado porque este es el destino de todo hombre inteligente en este miserable mundo. ¿Y por qué tenemos que comenzar por la felicidad si la desgracia es el único estímulo que nos queda?

¿Quién puede devolverme tan sólo una hora de los tiempos felices? Tiempos en los que estábamos juntos y cuando uno mostraba a los otros con maternal timidez el hijo de su arte, esperando no sin cierta  aprensión, sus juicios afectuosos y sinceros, tiempos en los que exaltándonos los unos a los otros , una misma aspiración hacia la belleza nos animaba a todos...".

Así describe Schubert las schubertiades (reuniones de amigos artistas que giraban en torno al compositor) donde primaban la amistad, el arte, la belleza y la sinceridad .

"Sólo a ti arte sagrado, se te ha concedido

Describir con tus imágenes una época de acción y vigor

Para calmar un poco el gran dolor

Que nos enfrenta con el destino" 

(Ultima estrofa del poema de título Lamento al pueblo escrito por Franz Schubert)

"Se dice que la música de Schubert es agradable, complaciente, sentimental y de bondad íntegra, una concepción que proviene de una época en la que se abusaba de sus melodías en operetas. Schubert puede ser todo eso, sin duda, aunque yo no veo sentimentalidad  salvo en raras ocasiones. La diversidad de caracteres  mucho más esenciales  que tiene a disposición es inmensa. Como todos los compositores verdaderamente grandes, Schubert no se deja encasillar en sólo un carácter.  Basta ver el uso  que hace de los signos dinámicos  para entender el alcance de su fuerza expresiva, que no refleja en absoluto  al lírico blando..." Alfred Brendel 

Alfred Brendel interpretando las Sonatas para piano D958, D959, D960

"Schubert tenia poca técnica, Vogl tenía poca voz, pero ambos tenían tanta fuerza y tanto sentimiento (...) Nos olvidábamos del canto y del teclado, era como si la música  no necesitara ningún sostén material, como si las melodías, semejantes a visiones, se descubrieran a los oídos hiperespiritualizados.

No me atrevo a hablar de mi emoción  y de mi entusiasmo, pero mi maestro, que tenía tras de sí más de medio siglo de música, estaba tan profundamente conmovido que las lágrimas perlaban sus mejillas" (Recuerdos de Hiller, alumno de Hummel)

Schubert y amigos en Grinzing, por Moritz Von Schwind

"La música, tan rica en su entendimiento de la emoción, emite mensajes profundamente contradictorios. Schubert escribió realmente melodías de una belleza sin afectación, de una inocencia infantil. También fue capaz de una violencia rítmica y armónica que no se vería igualada hasta Wagner. Y podía expresar toda la gama de emoción como un único y ambiguo acorde que disuelve las diferencias entre angustia y dicha.

¿Cómo era Schubert? Es seguro aventurar unas pocas conjeturas. Era cordial, hasta cierto punto; grosero, cuando se lo presionaba; muy tímido o muy arrogante, o probablemente las dos cosas al mismo tiempo. Era descomunalmente ambicioso. Hizo de la música una carrera y una religión; era un lector voraz que ponía a prueba constantemente las aptitudes musicales de los textos. No podía postrarse ante potenciales patronos. Sus horas de ocio dominadas por la bebida, carecía de rumbo. Forjó amistades intensas con hombres; adoraba a las mujeres pero a la distancia,. Teorizó sobre el amor más que vivirlo. Era proclive tanto a la euforia como a una melancolía paralizante, pero se tranquilizaba con el trabajo. Fue más un observador de la vida que un participante en ella.: tenía poco tiempo para todo aquello que no guardara relación con su arte. No existían límites de ningún tipo para su imaginación musical". (Alex Ross, Escucha esto)

Fantasía para piano en do mayor (D.760)

"Fantasía Wanderer"

Sobre esta pieza Schumann comentaba: 

"Schubert querría abarcar aquí  una orquesta entera entre sus manos, y el comienzo entusiasta es un himno seráfico de alabanza a Dios, el adagio es una suave reflexión sobre la vida a la que quita su máscara , a continuación irrumpe en fuga un canto sobre la inmensidad del hombre y de la música".

Alfred Brendel, a propósito de la misma pieza, comenta:

"En la fantasía Wanderer el piano se transforma de una manera tan consecuente en una orquesta como no se había visto hasta entonces. No sólo se sugieren los timbres individuales de los instrumentos de la orquesta, sino también la violencia del tutti".

"Curiosamente en las dos acuarelas de Kupelwieser, se ve a Schubert al margen del grupo: en segundo plano y charlando con Kupelwieser en la excursión campestre; en primer plano, pero solo, en la charada. Está entre los suyos pero en cierto modo se encuentra ausente. Lo mismo que no participa nunca en los bailes de sus amigos, aparece aquí como refugiado tras el teclado, separado simbólicamente del mundo exterior, resguardado en el único terreno que reconoce como totalmente suyo: la música. Pero aunque él no baila, no por ello deja de nutrir los juegos de los demás".

Las llamadas "schubertiades" fueron reuniones de un grupo de varios amigos artistas, donde la persona del compositor que da nombre a las reuniones era el alma por la relevancia de sus obras musicales.

"Vivía sólo para el arte  y dentro de un pequeño círculo de amigos" Escribió un diario a los pocos días de su muerte (27 de diciembre de 1828)

"Una de las características de las schubertiades fue siempre el extraordinario interés que provocaba  la persona de Schubert sobre tantos jóvenes entusiastas muchas veces alejados en el espacio, pero siempre próximos por el corazón. En Graz, en Linz, en otros muchos lugares , pequeños grupos amistosos vibraban con la música de Schubert.

Gracias a esto el nombre de Schubert resurge un día de las tinieblas para brillar con luz nueva en el mundo de la música. Es necesario para ello que Robert Schumann llegue a Viena, busque a Fernando Schubert para inquirir sobre su hermano, le empuje a escribir sus memorias y descubra en su casa el manuscrito de la gran Sinfonía en do al mismo tiempo que otros manuscritos inéditos" (B. Massin)

"Schubert encontró su personalidad musical madura a la edad de diecisiete años. Su innovación más celebrada fue la canción "Gretchen am Spinnrade" ("Margarita en la rueca")  a partir de un poema del Faust de Goethe. El repetitivo y propulsivo acompañamiento pianístico, una arquetípica proeza de pintura sonora, retrata el girar mecánico de la rueca de Gretchen mientras canta su pasión  rebosante de agitación" (Alex Ross, Escucha esto)

"Nachtgesang" ("Canto nocturno"), una segunda canción importante inspirada  en un poema de Goethe , revela la capacidad de Schubert para reflexionar sobre sencillas armonías y transformarlas en objetos pictóricos. Las canciones dominaron este período pero también trajo consigo su primera obra instrumental característica: el cuarteto de cuerda en Si bemol mayor, con su reveladora fusión de una melodía enternecedora y una armonía errante. (Alex Ross, Escucha esto)

El ciclo de lieder La bella Molinera, sobre poemas de Wilhelm Müller es una obra preciosa, llena de imágenes de una naturaleza viva y palpitante, cuenta una historia donde la sensibilidad del compositor la ensalza en una obra sublime y de gran belleza poética. En este vídeo gracias a la labor del canal de Youtube "El maestro de Bonn" podemos disfrutar leyendo el texto del poema traducido al español.

Winterreise o Viaje de invierno, fue una de las últimas obras que compuso Schubert en su último año de vida, obra con la cual se sintió muy reflejado. 

"Lieder como el viaje de invierno, verdadera confesión musical, han sido bautizados con la sangre de un auténtico y profundo sufrimiento", palabras de su amigo Bauernfeld.

También otro gran amigo, Spaun, se expresa sobre el Viaje de invierno:

"No hay lieder alemanes más bellos  y fueron en cierta manera el canto del cisne del compositor. A partir de ese momento, su salud se deterioró. Aquel que le haya sorprendido componiendo  de madrugada, todo agitado y con la mirada encendida, con la apariencia de un sonámbulo, no podrá olvidar jamás la impresión recibida (¿y quién habría podido escribir estos lieder sin sentirse conmocionado en lo más profundo?) Por la tarde podría ser otro muy distinto, tierno y profundo, él era así; prefería no manifestar sus sentimientos y guardarlos para sí mismo. 

No tengo ninguna duda de que el estado febril con que compuso sus más bellos lieder, y en particular el Viaje de invierno, contribuyó a precipitar su fin".

Algunos críticos de la época opinaron sobre esta obra:

"El alma de Schubert posee un dinamismo tan vivo que arrastra todo lo que le rodea, y conduce a través de la inmensa profundidad de los corazones humanos hacia lejanos confines, allí donde en la rosada luz del crepúsculo, surge el presentimiento del infinito, allí donde se experimenta también la dicha estremecida  de un inexplicable  sentimiento hecho de un dulce dolor  y que aleja la frontera del espíritu humano".

"Un joven ha sido rechazado por su amada pasea por las afueras y por el pueblo en el que ella vive, disolviéndose aparentemente durante el proceso en una no existencia. Los pies se hunden en la nieve, el hielo se resquebraja en un río, suena una trompa de postillón, una hoja cae revoloteando de un árbol, un cuervo traza círculos en el aire, los perros ladran, las nubes surcan el cielo y en el epílogo de Der Leiermann (el zanfonista) aparece un viejo zanfonista, que toca una melodía para nadie. Todos estos sonidos se oyen en la escritura pianística de Schubert en un grado misterioso y perturbador, hasta el rechinar de las cadenas que sujetan a los perros que ladran. Pero hay algo de abstracto en este viaje sin rumbo, que no deja de dar vueltas en torno a los mismos lugares y los mismos motivos , y con el ritmo del paseo resurgiendo una y otra vez. Al final el joven parece haberse fundido con la figura del zanfonista". (Alex Ross, Escucha esto).

A propósito de la belleza: 

¿La Belleza es intencionada? ¿O es algo que surge de la expresión natural de un hermoso espíritu? ¿Es intencional la belleza del canto de un pájaro? ¿O es sólo la expresión del pájaro, la belleza del espíritu del pájaro? Cuando una araña hace una tela hermosa, la belleza viene de la naturaleza de la araña. Es belleza instintiva. ¿Cuánta de la belleza de nuestras propias vidas proviene de la belleza de estar con vida? ¿Cuánta es consciente e intencional? (Joseph  Campbell, El Poder del Mito)

Cuarteto de cuerdas No.14 Re menor "La muerte y la doncella"

Hace unas semanas descubrimos por casualidad la obra de teatro "Sinfonía inacabada" del escritor Alejandro Casona. 

"Sinfonía Inacabada" trata sobre Schubert y algunos de sus amigos artistas como Mayerhofer. Algunos acontecimientos son producto de la imaginación del autor, aunque se base en la vida de Schubert y acontecimientos históricos de Viena. Excelentes actuaciones, con la sensibilidad propia y creativos diálogos característicos de todas las obras de Casona. Llevada aquí al cine por Radio Televisión Española.

Para escuchar comparto un programa muy recomendado llamado "Música y Significado", de Luis Ángel de Benito hablando sobre el trío de Schubert Op. 100. 

En palabras del conductor del programa:

  "El Trío no es todo gris y otoñal. El primer movimiento tiene un tema afirmativo, otro que es como una endecha infantil, y llega a evocar su famoso Ave María. El segundo es el famoso, que además está inspirado en una canción del sueco Isaac Berg ("Ver el sol descender") y que ciertamente tiene ese efecto de ver el sol crepuscular. El tercero se basa en un vals ligero, campesino. Y el cuarto es ¡invencible!, el triunfo del típico "tra-la-rá" schubertiano, el arte de preservar la inocencia después de que te haya aplastado un ciclón. El triunfo del "abrazo schubertiano". 

Aquí en el siguiente enlace, os dejo con el programa completo: 

https://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-y-significado/musica-significado-251116/3812538/

En el siguiente programa de Música y Significado, Luis Ángel de Benito analiza algunas obras de Schubert de aspecto oscuro  y trágico.

https://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-y-significado/musica-significado-lado-oscuro-schubert-18-01-13/1670292/

Documental muy interesante sobre la vida obra del compositor

Todo lied de Schubert es la expresión de una experiencia íntima: es una aventura de liberación del corazón y de la imaginación.

"No hay nadie aquí que sienta el verdadero arte, tal vez en alguna ocasión , la condesa. Estoy, pues completamente solo con mi amada (la música) y tengo que esconderla en mi habitación, en mi piano y en mi corazón. Aunque esto a veces me entristece, por otro lado hace que me supere". (Schubert, a su amigo Schober mientras estuvo en Hungría).

"La dificultad de existir de Schubert no se sitúa solamente a nivel de darse a conocer (tendrá siempre horror a presentarse en público), sino más rotundamente a nivel de reconocerse a sí mismo el derecho a existir como creador. Necesitará mucho tiempo para alcanzar ese privilegio. Al término de su vida el compositor, en su delirio, parece querer resumir en su grito las dolorosas crisis de identidad atravesadas. "¿No tengo yo también derecho a un lugar sobre la superficie de la tierra?".

El alejamiento de los amigos ante la producción schubertiana del último año es un símbolo cruel; encuentra su respuesta en la dedicatoria de su último trío: "A nadie excepto a los que pueda complacer". Jamás nadie, ni siquiera Mozart ni Beethoven, osaron poner tanto orgullo en una dedicatoria. Es tal vez porque en la andadura de Schubert, desprovista de agresividad, se apoya sobre la simple constatación  de una realidad invariable unida a una inflexible tenacidad; nada ni nadie le hará desviarse de su camino.

Así es como Schubert llega a ser históricamente el primer músico en tener por única función  la de ser compositor, no siendo virtuoso ni estando al servicio de nadie; es el único en haber dado ejemplo del más raro coraje-vivido por él con una modestia sin igual-: el de crear sin saber si alguien lo escuchará jamás". Brigitte Massin.

Con Beethoven se inició la era del músico artista libre, que componía ya no tanto por encargo sino porque su arte manaba de una fluidez natural. Sus obras, que iban a dejar huella sobre todo para el futuro, sin conocer el mismo autor a quiénes irían destinadas y cómo serían acogidas. 

Schubert -gran admirador de Beethoven -fue uno de los treinta y seis que rodearon el féretro de Beethoven hasta el cementerio. Un año más tarde lo seguiría él, a la temprana edad de 31 años.

Cuando Schubert ya estaba gravemente enfermo postrado en cama, deseaba escuchar el cuarteto de cuerdas en do sostenido menor Op.131 de Beethoven. Así cuenta el suceso uno de los amigo presentes, Ludwig Nohl:

"Schubert se excitó y se entusiasmó tanto, quedó tan agotado que todos temieron por él. Cinco días más tarde Schubert había muerto. 

El cuarteto en do sostenido menor fue la última música que escuchó. ¡El rey de la armonía tendió amistosamente su mano al rey del lied para su último viaje!"

Uno de los músicos de aquella velada fue el segundo violín Karl Holz, quien había sido íntimo amigo de Beethoven. El cuarteto en do sostenido menor no había conocido todavía ninguna interpretación pública en Viena. 

Su último deseo fue ser enterrado en el cementerio donde descansa Beethoven, Währing, en Viena.

Así lo cuenta su hermano Fernando:

"La tarde que precedió a su muerte me dijo en un estado de semiinconsciencia: "Te ruego encarecidamente que me lleves a mi habitación y no me dejes en este agujero bajo tierra. ¿Es que no merezco un lugar en la superficie de la tierra?". Le respondí "Querido Franz, cálmate, confía en tu hermano al que siempre has creído y te ama tanto. Estás en tu habitación, en la que siempre has estado, descansas en tu cama". Y Franz dijo: "No, no es verdad, Beethoven no descansa aquí".

"¿Es que no merezco un lugar sobre la tierra?"

La interrogación angustiada de toda una vida es válida hasta el umbral de la muerte. Y ésta la vive en dependencia y conexión con Beethoven" (B. Massin).

Tumbas donde descansan Beethoven (Izquierda), Mozart (centro) y Schubert (derecha)

   Nota: la tumba de Mozart es simbólica ya que cuando murió su cuerpo fue depositado en una fosa común, sus restos no fueron encontrados.

Compartimos un manuscrito original de Schubert: 

Y para finalizar el artículo, imaginémonos al joven Franz, reunido con sus amigos -su más querido público- sentado al piano, acompañando a un hombre entrado en años, de voz profunda y rasgada. Ambos interpretan un hermoso lied, profundo y triste como pueden llegar a ser ciertas facetas de la vida. Mirad en el fondo de la pequeña sala a Hummel con más de cincuenta años de profesión, uno de los más famosos pianistas de la época, llorando en silencio totalmente emocionado. 

Así es la obra de Schubert, una mirada humilde desde el corazón hacia la propia vida con todas sus realidades.¡¡Gracias Franz!!

"Casi podría olvidarse la grandeza de tu maestría ante el hechizo de tu espíritu". F. Liszt, sobre Schubert.

Hermann Prey, Im Abendrot

Im Abendrot (En el atardecer)

"Oh, cuan hermoso es tu mundo

Padre, cuando resplandece con rayos dorados

Cuando tu mirada desciende

Y tiñe el polvo de un brillo reluciente

Cuando el rojo que refulge entre las nubes

Roza mi ventana silenciosa

¿Cómo puedo quejarme, cómo puedo tener miedo?

¿Cómo puede haber enemistad entre nosotros?

No, llevaré en mi pecho

Tu Cielo para siempre

Y este corazón, antes de detenerse 

beberá del brillo y de la luz".

Apuntes sobre la Flauta Mágica, ópera de Mozart

La flauta mágica, versión de I. Bergman

La Flauta mágica es una ópera alemana (singspiel) de Wolfgang Amadeus Mozart y Emmanuel Schikaneder. Se estrenó en septiembre de 1791. Mozart no sólo se encargó de la composición musical y se puede decir que con Schikaneder fue el creador principal de la trama.

"Las grandes obras de la literatura, el arte y el pensamiento resultan de una sorprendente actualidad y siempre encierran una importante enseñanza para el hombre". (Libro: Inteligencia Musical. Íñigo Pirfano)

Descubrir la Flauta Mágica y tener la oportunidad de adentrarnos en su filosofía es una experiencia extraordinaria. Pienso que uno de los objetivos de los autores fue el de dejar constatado mediante un modo de difusión como la ópera algunos de los cimientos del saber humano transmitido de generación en generación.

Tanto se pudiera ahondar en la Flauta Mágica...

Una biografía muy recomendada sobre Mozart es la escrita por los autores Jean y Brigitte Massin, los mismos de la biografía de Beethoven de la cual hice un artículo para este mismo blog (click aquí para acceder al artículo). Veamos sus observaciones acerca de la Flauta Mágica:

"La idea genial , consistente en dar la forma  de un singspiel  fantástico y popular a un mito masónico, nos parece mucho más propia de Mozart (que de Schikaneder), y es la que le hace poner tanto corazón en esta obra, a la que llama en su catálogo Gran Opera y no un Singspiel. Es en fin, la que explica con qué pasión se une Mozart al destino de su obra, una vez terminada , durante los dos meses que le quedan de vida.

La Flauta Mágica es la última ópera y una de las últimas obras de Mozart: esto no añade nada a su grandeza intrínseca ; pero resulta también que le ofrecía la más maravillosa ocasión para expresar sus aspiraciones más profundas; y en la misma manera en la que veía disminuir sus fuerzas , cuando ya le rondaban sordos presentimientos, es muy probable que Mozart se haya entregado a su obra con un ardor más febril.  Las angustias y las preguntas de sus dramas precedentes recibían por fin aquí su respuesta y su solución en el canto triunfal de Pamina y Tamino (...) Ahora como la pareja de sus enamorados  protagonistas, puede "por la fuerza de la música avanzar alegre a través de la oscura noche de la muerte". 

En este sentido, La Flauta constituye el verdadero testamento de Mozart. 

La fraternidad que Mozart exalta, la demuestra con su música hacia todos, extiende su simpatía a todos los protagonistas del drama.

El corazón de Mozart necesitaba  indudablemente este modelo de verdadera alegría humana (...) Era necesario que nos hiciera rozar con el dedo la  concordancia entre las más altas aspiraciones de Tamino y las más elementales generosidades de Papageno. Porque su fraternidad no habría sido más que una palabra, si no hubieran sido uno y otro a la vez.
Una de las últimas alegrías de Mozart en su lecho de muerte será oír cantar un aria de Papageno, como si se identificara en cierto modo con su personaje. De hecho, él es Papageno por su amor a la vida, como es Tamino por su  fidelidad  a las aspiraciones del Sturm und Drang y de la Aufklärung. Y la suprema conquista de su genio será haber sabido asociar a Tamino y a Papageno en el optimismo más luminoso, el menos trágico que jamás haya expresado.

¿Es porque por fin compone de nuevo sobre palabras alemanas? ¿es porque se dirige ahora a un público sencillo, no a los salones de las altas esferas vienesas? ¿O es porque realiza uno de los grandes sueños de su vida hablando de su ideal más íntimo? Sin duda, por todo ello junto; jamás ha sido más libre, más personal (...) Cuando le falta la vida, hay alegría de vivir en su música..."





Vamos a comentar la obra maestra de la Flauta Mágica:

El personaje principal es el príncipe Tamino. Él ya decidió emprender su viaje personal e íntimo, su camino hacia la búsqueda del saber. No sabe lo que le espera, pero su propósito es firme.

Obertura:

"La Flauta Mágica fue su testamento dirigido a los hombres, su llamamiento a los ideales de la humanidad. En la obertura, que no es de ninguna manera la de una comedia musical,  condensó la lucha y la victoria de la humanidad con los medios simbólicos de la polifonía: trabajo, esfuerzo ímprobo en la elaboración, lucha y triunfo" Alfred Einstein

Después de la solemne obertura la trama comienza con la lucha de Tamino con la serpiente. Esta lucha es la lucha de Tamino consigo mismo, con la fuerza densa que se ha de domar para poder seguir el camino. La serpiente es el guardián. Mora en los dominios de la Reina de la Noche. Es la primera etapa, la gran oscuridad que ansía la luz, pero para alcanzarla debe pasar las dificultades, el miedo. Tamino ante la presencia del gran reptil clama auxilio.El hecho de que sea una serpiente nos trae connotaciones de muchos relatos que hablan del simbolismo de este reptil: lucha contra los instintos desequilibrados, fuerza creadora que necesita ser equilibrada y dirigida a través de la voluntad.

La oscuridad, la noche engaña con sus sombras, atemorizan, crean vagos fantasmas. Como lo demuestran los mitos en todo el mundo, estos contienen no sólo héroes y triunfos sino las pruebas por las que debe pasar, con sus monstruos, temores propios de quien está en un terreno ajeno, totalmente desconocido y absolutamente solo. Quizá sólo así, bajo estas condiciones, las fuerzas misteriosas de la naturaleza comienzan a actuar en el destino del humano.

Tamino, debe enfrentarse  a las pruebas de iniciación

Y así vemos a Tamino en el suelo inconsciente, liberado del ataque del aterrador animal por tres mujeres sacerdotisas de la Reina de la Noche. En este tramo es cuando Tamino despierta y conoce a Papageno que es un extraño hombre-pájaro, muy alegre pero algo mentiroso y miedoso. En Papageno está representada la dualidad humana, en él está representado Tamino pero también es la parte animal- instintiva como dejará ver cuando este personaje se exprese.

Por mediación de la Reina de la Noche, se le encomienda a Tamino salvar a Pamina, la hija de la soberana, quien fue raptada por Sarastro, según las palabras de la mujer, un hombre malvado. Tamino al ver el retrato de Pamina, se enamora profundamente de ella y desea emprender el viaje para liberarla. Para llevar a cabo tal misión se le obsequia al príncipe Tamino una flauta con poderes mágicos y a Papageno-quien también acompañará al héroe en el viaje- unas campanitas con las mismas propiedades. Ambos instrumentos musicales son regalos que provienen del reino de la Naturaleza, de su aspecto mágico.

La música debe estar presente en el camino, tanto del iniciado que busca salir de las sombras como del hombre vulgar, dos aspectos duales del mismo humano, no existe uno sin el otro. La música guía, acompaña, calma el alma de sus tribulaciones para que todo fluya armónicamente.

Además de los mágicos instrumentos musicales, las tres damas les encomiendan para su aventura tres jóvenes, guardianes y protectores de su viaje. Son tres jóvenes sabios y consejeros. El primer consejo a Tamino es:

"Sé firme, tolerante y discreto".

La Reina de la Noche es el emblema del conocimiento secreto- tanto las tres damas como ella llevan velos cubriéndoles las caras- es la soberana de un conocimiento que desea ser guardado, poseído, celoso de quien pueda hacerlo suyo. Muchas religiones centradas en diosas lunares expresan su aspecto feroz, vengativo. Su otro aspecto- el positivo- es el aspecto maternal, cuidador y conservador de las fuerzas y las criaturas de la Naturaleza. Con un iniciado del templo solar la Reina concibió a Pamina, un hombre que alcanzó la sabiduría y era portador del "septúplo disco solar" que antes de morir lo entregó al Templo del Sol, además fue él quien talló de la rama de un roble la flauta mágica que le fue entregada a Tamino.

"El héroe que llega bajo la protección de la Madre Cósmica no puede ser dañado. El ovillo de Ariadna devolvió a Teseo sano y salvo de la aventura del laberinto. Esta es la fuerza guía que corre por la obra de Dante en las figuras femeninas de Beatriz y la Virgen, y que aparece en el Fausto de Goethe sucesivamente como Gretchen, Helena de Troya y la Virgen.

Lo que representa esa figura es la fuerza protectora y benigna del destino. La fantasía es la seguridad, la promesa de que la paz del Paraíso, que fue primero conocida dentro del vientre materno, no ha de perderse; que sostiene el presente y está en el futuro tanto como en el pasado (es omega y es alfa), que aunque la omnipotencia parezca amenazada por los pasajes de los umbrales y despertares a la vida, la fuerza protectora está siempre presente dentro del santuario del corazón y existe en forma inmanente dentro o detrás de las extrañas apariencias del mundo. El individuo tiene que saber y confiar, y los guardianes eternos aparecerán. Después de responder a su propia llamada y de seguir valerosamente las consecuencias que resultan, el héroe se encuentra poseedor de todas las fuerzas del inconsciente. La Madre Naturaleza misma apoya la poderosa empresa." (El héroe de las mil caras, Joseph Campbell)

Tamino llega a los dominios de Sarastro y queda impresionado por las inmediaciones y descubre que no es un castillo sino un templo donde mora Sarastro, un sitio donde Tamino siente emanar equilibrio y un sentido de lo sagrado, el príncipe se extraña por la versión que anteriormente le había dado la Reina de la Noche, sobre un sitio siniestro, malvado. La curiosidad del príncipe lo lleva a querer acceder dentro del templo, pero sale al paso un sacerdote quien le corta la entrada. "¿Qué buscas en este sagrado sitio?", le pregunta el guardián. "El amor y la virtud", le contesta Tamino. Pero el sacerdote intuye que otros deseos además de ese lo mueven al joven; la ira y la venganza influencia de la Reina. Tamino descubre que Sarastro en verdad es el más alto sacerdote del Templo Solar y no un malvado mago.

Sarastro, de la versión de Bergman

Vemos en el siguiente acto a Pamina secuestrada en sus aposentos y al personaje llamado Monostatos. Este es el carcelero custodio de la hija de la Reina de la Noche. Su piel es negra, otro símbolo de la oscuridad, representa el campo de los deseos densos que como una infección han poseído al individuo. Si estas fuerzas densas (posesión, imposición, tiranía y venganza) no se controlan el iniciado se vuelve oscuro, y sólo podrá ser un simple carcelero de los seres que ansíen superar ese estado, sirviendo sumisamente a fuerzas superiores o quedando más hundido en el abismo de su oscuridad. ¿Por qué Monostatos es representado como un hombre de raza negra? Porque el color negro simboliza lo contrario a lo luminoso, Schikaneder y Mozart no lo eligieron de forma trivial, Monostatos simboliza un guardián que todo iniciado ha de superar: la dominación de los instintos. Hay que hacer notar que el nombre de Monostatos se puede traducir como "estado del mono". Monostatos es el principio masculino desequilibrado que va en camino a la auto destrucción. Necesita la fuerza femenina que es equilibradora e imprime el movimiento, por eso quiere poseer a Pamina. No siente el amor ideal de Tamino hacia Pamina, sino un deseo instintivo y carnal. En definitiva, este personaje representa para nosotros el aspecto oscuro de Tamino y de Papageno. Este sólo puede purificarse a través de su voluntad -dominando sus instintos y su actitud- o lo purificará la misma fuerza, por eso Monostatos perece en el Templo, aliado con la Reina de la Noche. La luz purifica la oscuridad. La vence.

Justo cuando Monostatos va a abusar de una Pamina dormida, entra Papageno y los dos personajes tienen un cómico encuentro. El uno al otro se dicen "¿Será el demonio?" entre exclamaciones de miedo. Papageno reconoce a Pamina, le dice que lo envía su madre para rescatarla junto con Tamino quien vio su retrato y la ama profundamente. Aquí hace la aparición la hermosa aria que cantan juntos Papageno y Tamina: "Vamos a alegrarnos del amor, pues sólo por el amor vivimos... A él se ofrece toda criatura. Influye en la naturaleza. Su importante finalidad muestra sin duda que nada hay más noble que mujer y hombre, se acercan a la divinidad" Esta frase es esencial para comprender el significado general de la obra.

Pamina y Papageno (versión de I. Bergman)

  

Pamina conoce a Sarastro quien se muestra comprensivo con la confesión de Pamina. La princesa desea volver con su madre, pero el sacerdote no le concede la libertad. "Perderías tu felicidad si en sus manos te dejara" Es el argumento de Sarastro quien quiere otorgar a Pamina un designio más elevado que dejarla bajo la tutela de su tiránica madre.

Aquí es cuando irrumpe en la escena el príncipe Tamino y ambos jóvenes, Pamina y Tamino se reconocen enseguida. Sarastro, como guarda tutelar y Monostatos los separan justo en el momento del abrazo y exclama que los dos príncipes deben ser llevados de inmediato al templo para ser iniciados en el conocimiento y así poder ser purificados. Para este fin, se le retiran los objetos mágicos tanto a Tamino como a Papageno.

"Si la virtud y la justicia cubren el gran camino con honor, la Tierra un reino celestial será y los mortales a dioses se parecerán". Coro de sacerdotes.

-¿Estás dispuesto a exponer tu vida por la amistad y el amor?, le pregunta el sacerdote.

-Sí. Contesta Tamino

-¿También tú quieres luchar? Sacerdote a Papageno

-Luchar no es lo mío. Tampoco necesito sabiduría. A mí me basta el dormir, el comer y el beber. Y si encima pudiera pescar un bella hembrita...

-Sólo si a nuestras pruebas te sometes. Nuestras leyes has de respetar, no temer a la muerte.

-Me quedo soltero, responde Papageno.

Y los sacerdotes imponen silencio a los dos iniciados, Tamino y Papageno, quienes se les prohíbe hablar con mujeres.

"De firme espíritu es el hombre, piensa lo que puede hablar"

Aunque a Papageno desde el comienzo de la prueba le cuesta mucho disciplinarse.  

Pamina es hija de reyes al igual que Tamino. Ella será la predecesora de su madre, eso implica una gran responsabilidad ya que su madre se encuentra sumida en el caos hasta tal punto que el odio ha envenenado su alma y lo único que ansía es venganza. Como Hamlet que niega a Ofelia hundido en las ansias de la venganza, la Reina de la Noche niega a su propia hija. Y no sólo eso, sino que la obliga a perpetrar un crimen. La inocente Pamina, risueña y ensoñadora, sí o sí tiene que asumir el paso de su propia evolución, dejar la protección del reino materno, enfrentar la soledad. Ella ha de ser la futura reina y el Orden no debe permitir que siga los erróneos pasos de su madre, es por ello que Sarastro la aleja de la Reina de la Noche. Pamina es el personaje en apariencia más débil, más presionado, siente tanta hostilidad, tanto desconcierto que llega incluso a desear la muerte. Pamina es como un ser puro del bosque, una mariposa, una flor bella y frágil a la vez, pero con un gran potencial de Amor y Unión. Ella es el eje central de toda la obra, es el principio femenino catalizador que afecta a todos los personajes empujándolos a la acción, al cambio. Para Papageno, Pamina infunde la esperanza. Es la amiga que lo escucha y comprende, ambos son hermanos de la Naturaleza. Para Tamino es su Ideal de vida, el Equilibrio, la Belleza y el Amor.

La Reina de la noche, versión de I. Bergman

Pamina logra hablar con su madre, a quien corre presurosa por su protección, pero la Reina ya no la puede proteger pues su destino ahora está en manos de otra fuerza, en este caso, la luminosa.

La Reina de la Noche advierte a Pamina que si Tamino finalmente se inicia, lo perderá definitivamente. Pero Pamina, ama a Tamino, ya sea como príncipe o como iniciado. Palabras que enfurecen aún más a su madre. Ya en el colmo de la ira, ordena a Pamina asesinar a Sarastro y recobrar el septúplo disco solar que su padre entregó al Templo Solar. Sin él la Reina no puede actuar pues necesita del otro lado, el complementario, lo luminoso y apaciguador.

La Reina amenaza a Pamina con dejar de ser su hija sino mata a Sarastro, "Por siempre serás repudiada, por siempre abandonada, por siempre quedarán rotos los lazos de la naturaleza".

Sarastro perdona la conspiración contra él, no se escuda en la venganza, algo recurrente en las óperas de Mozart, donde la venganza es repudiada y la nobleza de intelecto y corazón actúan con un sentido puro de comprensión, aun en lo más difícil de perdonar. La venganza es un veneno que llega hasta lo más profundo del ser, un acto sucio no puede ser pagado con otro acto sucio pues no habrá purificación sino acumulación de odio y caos. El tema de la venganza y el perdón es recurrente en la mayoría de las óperas de Mozart. Recuérdese su última ópera, nos referimos a la Clemenza di Tito; pero también este tema es esencial en todo el desarrollo y consecución de su otra ópera El rapto del Serrallo. También en las óperas Cosi fan tutte y las Bodas de Figaro. Pero continuemos con la Flauta Mágica.

Todos estos hechos más sumado al voto de silencio de Tamino, que Pamina lo entiende como una ignorancia y desprecio del príncipe hacia ella, la llevan a la locura de querer quitarse la vida con el mismo puñal que forjó su madre para el asesinato de Sarastro. Otra vez la lucha contra la sombra materna: antes que seguir los pasos de su madre, prefiere morir. Es salvada en el momento justo por los tres jóvenes custodios de los destinos. Pamina ya no teme a la muerte por que para ella la muerte significa liberación, ¿Pero liberación de qué? Pamina misma nos dice que prefiere morir antes que sufrir las penas del desamor o sea a vivir sin amor, sin su opuesto complementario -como su madre-, Pamina es un ser puro y sin la fuerza del amor se marchitaría. Pamina ya no teme a la muerte, Pamina se ha encontrado y asume con valor su propio destino y por eso puede ser iniciada junto con Tamino. Juntos pasarán las pruebas de los cuatro elementos: el fuego, el agua, la tierra y el aire. Ya han franqueado las puertas del templo de Isis y Osiris.

«Quien camina por este sendero de penalidades, purificado será por el fuego, el agua, la tierra y el aire. Si el miedo de la muerte logra superar, se elevará de la tierra al cielo. Iluminado entonces, será capaz de consagrarse por completo a los misterios de Isis»

Tamino responde:

« A mí la muerte no me espanta, actuando como hombre, el camino de la virtud yo sigo. Abrirme los portones del terror, que yo contento emprenderé la valiente persecución del Camino».

«Que la flauta nos guíe en el terrible camino. Caminamos gracias al poder de su melodía, contentos por la noche oscura de la muerte». Cantan a dúo Pamina y Tamino.

Guiados por el poder del sonido de la flauta, cruzan victoriosos las pruebas.

La primera es la del fuego, elemento masculino y por eso Tamino va delante. La segunda prueba es la del agua que simboliza lo femenino y por tanto ahora vemos a Pamina delante de Tamino.

La pareja de príncipes ahora ya purificada por el poder de los elementos, puede acceder al templo, y en un futuro ser los soberanos sabios de sus propias vidas y más adelante regir sobre un reino equilibrado en la armonía y la virtud.

¿Y qué hay de Papageno? Está claro que él no puede ser iniciado en los Misterios, pero también tendrá su prueba a pasar. Veamos: Papageno ya ha podido ver fugazmente a su "hembrita" Papagena, primero se la encuentra como una anciana, un claro disfraz o, como en los mitos, se convierte físicamente en viejecita, engañando los sentidos. En numerosos mitos y leyendas es un tema recurrente el héroe que se encuentra con una anciana que le da repulsión, ésta suele pedirle a cambio de algún favor, un beso, que al concedérsele, obra la transformación de anciana fea a joven hermosa. Y en Papageno, al aceptarla a pesar de su vejez aunque con ciertas condiciones, así ocurre. Pues como muy bien explica Joseph Campbell en El héroe de las mil caras "La diosa guardiana de la fuerza inagotable (...) requiere que el héroe esté dotado con aquello que los trovadores y los juglares llamaban un “corazón gentil”. No por el deseo animal de un Acteón, ni por el desdeñoso rechazo de un Fergus, puede ser la diosa comprendida y servida debidamente, sólo con gentileza: awaré (simpatía gentil) ... El encuentro con la diosa (encarnada en cada mujer) es la prueba final del talento del héroe para ganar el don del amor, que es la vida en sí misma, que se disfruta como estuche de la eternidad".

Pero Papageno , no vuelve a encontrar a su Papagena, pues todavía no se lo "ha ganado". Desesperanzado, acuciado por la soledad y los pensamientos negativos decide colgarse de la rama de un árbol y ahorcarse. Otra vez acuden los tres jóvenes-ángeles-custodios a interceptar el caos de Papageno. "¡Haz sonar las campanitas para llamar a tu hembrita!" le dicen. Pagageno se había olvidado de los objetos mágicos. Y haciendo sonar sus campanas mágicas aparece la joven Papagena. Aquí podemos deducir que el misterio y la magia actúan para todos en la vida, tanto para seres que en apariencia desean seguir el camino vulgar (más instintivo como en el caso de Papageno), como para los iniciados que desean alcanzar la sabiduría y la virtud. El misterio mágico actúa para todos por igual, a cada uno le obsequia el don de vivir feliz, en compañía de su opuesto complementario en una ley de Armonía y Equilibrio. No sin antes, haber pasado las duras pruebas, que afectan de diferentes formas pero iguales de ricas en enseñanzas. Sin Amor, no hay Equilibrio. Es una Ley para todos por igual.

"¡Qué alegría será la nuestra cuando los dioses en nosotros piensen y a nuestro amor hijos regalen, queridos hijos chiquititos!" Canta la pareja de Papagenos.

Las fuerzas desequilibradas son vencidas, la oscuridad por sí sola no puede actuar y es aniquilada indefectiblemente por la luz. Así en la siguiente escena vemos caer a los aliados de la Oscuridad: La Reina de la Noche, las tres damas y Monostatos. "¡Nosotros todos hundidos en la noche extrema!" Claman cuando un rayo los derriba. La Reina caída, nos recuerda al ángel caído bíblico.

"Los rayos del Sol espantan la noche, destruyen el poder usurpado ..." (Sarastro).

¡Gloria a los iniciados. Vosotros traspasasteis la noche. Nuestro agradecimiento a ti Osiris, gracias a ti, Isis! (Coro)

"¡Venció la fuerza y como recompensa corona a la belleza y a la sabiduría con una corona eterna!"

La corona eterna también se la lleva esta obra inmortal titulada la Flauta Mágica, pues el mito perdura en el tiempo: la lucha de las fuerzas de la luz y la oscuridad nació con el origen del Universo mismo. Al igual que la música. Y la música de esta obra es insuperable en belleza, fluidez, profundidad. Su mensaje es eterno pues son valores imperecederos, el amor, la virtud, la búsqueda de la sabiduría del Equilibrio, el humor, la felicidad, las penas a pasar, sentimientos como la ternura, la ira, la venganza. La obra emana una inocencia sabia, con la sencillez que debe tener lo verdadero que llega a el corazón, con el regalo de la música eterna de Mozart y la labor de Emmanuel Schikaneder ¡Gracias!

"El amor no se limita a la pareja del hombre y la mujer; se trata explícitamente de la fraternidad universal, de la que los iniciados dan ejemplo. Trabajan incesantemente para acelerar su reinado; es la fraternidad del templo que no cesan de construir en el cual entrarán los amantes, con las manos entrelazadas, al término de sus pruebas. Cuando la luz haya vencido a la noche, cuando la libertad, la igualdad y la fraternidad hayan acabado con los prejuicios, los odios, las ansias de poder y los despotismos, el objetivo se habrá alcanzado..." J y B. Massin

 Como conclusión me gustaría no pasar de largo uno de los aspectos que más me impresionan de la Flauta Mágica. Su orden, su composición armoniosa tanto en lo que se refiere a la música como a todo el desarrollo de la historia. Los autores sabían muy bien lo que hacían. He leído y escuchado algunos comentarios pueriles acerca de esta gran creación como que fue concebida para "entretener a las clases bajas" o que es un cuento de hadas con bastantes "incongruencias" en el argumento o un "culebrón" masónico con oscuros simbolismos. Para mí es una obra que habla directo a los corazones, al lado más intuitivo.

Sirva como conclusión de este artículo lo que dicen los tres jóvenes sabios, atentos porque es uno de los mensajes más importantes de la obra:

"Pronto brillará el Sol por su camino dorado

para anunciar la mañana.

Pronto se acabarán las supersticiones,

pronto vencerá el hombre sabio.

Oh, dulce silencio, cae sobre nosotros,

vuelve a los corazones humanos.

La Tierra un reino celestial será

y los mortales a dioses se parecerán"

Recomendamos la audición del Programa "Música y significado", presentado por Luis Ángel de Benito. Radio clásica. Click aquí para oír el programa sobre la Flauta Mágica.

"Es como si el Espíritu del Universo hubiese querido expresar que aquí hay sonido puro, propio de un cosmos sin peso, superación de todo caos terrenal, partícula del espíritu universal". Alfred Einstein, "Mozart"


La Flauta Mágica, versión de 1992 . Coro y orquesta del Festival del Palacio de Ludwigsburgo. Dirección musical: Wolfgang Gönnenwein.

Ilustraciones del artículo:

Siluetas: Lotte Reiniger.

Grabados del siglo XIX para la representación en escena de la obra.

Fotogramas extraidos de la versión la Flauta Mágica de 1992. Coro y orquesta del Festival del Palacio de Ludwigsburgo. Dirección musical: Wolfgang Gönnenwein.